METALLICA de lujo

En septiembre, METALLICA lanzará su noveno disco de estudio, que llevará el nombre de “Death magnetic”. Recientemente, el grupo anunció que además del álbum en formato tradicional, la producción tendrá una edición especial. Acá, todos los detalles.

En septiembre, METALLICA lanzará su noveno disco de estudio, que llevará el nombre de “Death magnetic”.

Como se sabe, en la previa del suceso, la cuestión se vio agitada por diversos motivos: la transmisión on line del proceso de grabación, los rumores de una posible distribución sin costo del material y la prohibición que el grupo hizo a los periodistas de comentar públicamente los adelantos del álbum que les habían permitido escuchar.

Por otra parte, según los músicos, “Death magnetic” será lo mejor que sacaron desde “Black Album” (1991) y musicalmente significará una vuelta a las raíces de la banda. La lírica del disco fue hecha por JAMES HETFIELD, que contó con aportes de LARS ULRICH, y la producción la realizó RICK RUBIEN, que también trabajó con LINKIN PARK, RED HOT CHILI PEPPERS, SYSTEM OF A DOWN y SLAYER entre otros.

Recientemente, hubo novedades: METALLICA anunció que además del formato tradicional, el álbum tendrá una edición de lujo que incluirá el disco, demos, un DVD con el proceso de producción, púas, una bandera, un póster y una remera del grupo, y también un número clave para bajarse un concierto que la banda dará luego de la salida de la producción “en algún lugar de Europa”.

Por último, resta señalar que esta edición especial sólo se conseguirá a través de www.missionmetallica.com, www.metallica.com y www.metclub.com .

A continuación, el breve avance que el cuarteto publicó de “Death magnetic”.

Augusto Do Santos

Maldito regreso

Luego de lo ocurrido el 30 de diciembre de 2004, hubo acuerdo mayoritario al respecto de que la bengala era un elemento que nunca más debía tener lugar en los recitales. Algunos, entre los que me incluyo, no sólo sacamos esa conclusión sino que además...

Luego de lo ocurrido el 30 de diciembre de 2004, hubo acuerdo mayoritario al respecto de que la bengala era un elemento que nunca más debía tener lugar en los recitales. Algunos, entre los que me incluyo, no sólo sacamos esa conclusión sino que además pasamos a considerar a ese fuego artificial como algo maldito para el rock, tomándolo como un símbolo de la tragedia de Cromagnon, tal vez el símbolo máximo de la misma.

Con el paso del tiempo, en ocasiones aisladas, hubo espectadores que intentaron reinsertar a la bengala en diferentes conciertos, pero no tuvieron éxito por el rechazo que de inmediato le expresaron los artistas y el mismo público. Además, posteriormente, el periodismo también hizo su lapidaria crítica.

Sin embargo, ya a casi cuatro años de la tragedia, parece que las cosas cambiaron en torno a esta cuestión. Así vemos que en el último show del INDIO SOLARI, en Tandil, volvió lo que usualmente se llamaba “la fiesta de las bengalas”, esa misma que tanto se condenó en su momento. Y ni el músico —que en este caso no entraría en contradicción—, ni sus colegas, ni el público, ni el periodismo reaccionó. Habrán existido excepciones, pero pocas; la sensación que se instala es esa que dice que “al aire libre sí se puede, no pasa nada” y que agrega que el marco que se genera con ese humo colorido es “hermoso, memorable”.

Al respecto del supuesto carácter inofensivo de la bengala en un concierto al aire libre, habría que apuntarle la infinidad de casos de personas que resultaron lastimadas, desde sus cabellos hasta sus ojos, por culpa de ese ritual “hermoso”. Aunque tal vez como el peligro no implique la muerte no haya problema y por eso se diga que “no pasa nada”. Y es justamente ahí donde se encuentra la triste razón a esta actualidad del asunto en cuestión: no importa el otro, ni uno mismo. No importó en diciembre de 2004; no lo hace ahora.

A mí me parece que si queremos algo “memorable” en el rock tendríamos que apuntar hacia otro lado, que tenga coherencia con aquello que se acordó después de la tragedia en relación a la bengala y el repudio posterior que se dio a los intentos de que la misma regrese a formar parte de un recital.

Y si acaso ese parecer no retorna porque efectivamente “no pasa nada” usando bengalas en conciertos al aire libre, opino que sería deseable que vuelva el sentimiento de considerar a ese objeto como algo maldito en el rock, como una especie de señal de respeto, apoyo y solidaridad hacia las víctimas de la tragedia y sus familiares; como una muestra de estrecha firmeza de pensamiento entre lo que se razonó hace cuatro años y lo que se razona hoy; como un índice de que los están en el ámbito del rock no olvidan y, en algunos aspectos, no cambian.

Augusto Do Santos

Fotos: Mara Fassa

Canto de cisne

Lo nuevo (¿y último?) de CALLEJEROS: “Disco escultura” está en la calle a poco del inicio del juicio oral de la causa Cromañón.


Es imposible despegar cualquier cosa que lleve la firma CALLEJEROS de eso que pasó hace cuatro años atrás. Sin embargo, estamos frente a un nuevo trabajo de la banda de Villa Celina que desde el título ironiza sobre aquel slogan que portaban los discos originales no hace mucho tiempo atrás.

A medida que van pasando las (trece) canciones, da la sensación que retomaron la senda marcada por sus tres primeros LP’s. Teniendo en cuenta “Señales”, editado en el 2006, hay mayor velocidad y las letras no son puros lamentos, aunque no hay aquí de aquellos estribillos irresistibles, característicos de épocas pasadas. “Disco escultura” es otra cara de la otra cara de la misma moneda.

La prolija producción de JUANCHO CARBONE logra un impecable sonido de guitarras, además de resaltar el eclecticismo omnipresente a lo largo de los cincuenta y tres minutos de duración. Entonces, conviven armónicamente ritmos reggae, coqueteos con el rap (“El ignorante”), aires españoles (“Pompeya”, que cierra el disco), canciones de cuna, un bolero y mucho del rocanrol urgente que los hizo salir de la oscuridad under para invadir las radios allá por el 2004.

Merece un párrafo aparte la performance vocal de PATRICIO SANTOS FONTANET. Se desdobla en sus matices para acoplarse a la perfección en cada una de las piezas. Y sin ruborizarse, puede vomitar largas estrofas sobre el rock y la sociedad local (“Guiños”; “Espejo”; “Lo que hay”, que incluye una mordaz alusión a la BERSUIT VERGARABAT), así también como puede conmover y hacernos creer que es, por sobre toda las cosas, víctima. “Rehén” es la prueba más concreta.

Sencillo y cargado de diversos estados de ánimo, “Disco escultura” resulta ser un disco clásico de CALLEJEROS. En pocos años de trayectoria, encontraron un sonido característico más allá de la variedad. Han sembrado un imponente vergel pero quizás no puedan seguir cosechando del mismo. ¿Puede que esa espina atorada desde un trágico diciembre impida que puedan continuar su carrera y este es simplemente un digno final? Lo dirá la justicia –que para PATO “tiene los ojos tapados porque se cansó de ver a quienes hoy, ayer y siempre la están violando”-, el tiempo, ellos mismos o todo eso junto.

Ezequiel Ruiz

Se arma la vela

Luego de una pequeña gira que los llevó a recorrer el interior de la Argentina, LA VELA PUERCA vuelve a la Capital Federal para ofrecer dos shows en el Estadio Obras.


Para aquellos que se quedaron con las ganas de verlos en el pequeño recorrido por el interior del país que LA VELA PUERCA realizó en el mes de junio, acá está la revancha. Los uruguayos regresan para brindar dos recitales en el mítico Estadio Obras, rebautizado hace algunos años (con válido disgusto de viejos rockeros) Pepsi Music.

El viernes 15 y sábado 16 de agosto, el templo del rock será testigo de dos noches de festejos. Con la excusa de “celebrar su trayectoria“, SEBA TEYSERA & cía. prometen hacer un repaso por su discografía y teñir el estadio de la avenida Libertador con unas gotitas de melancolía diluidas en brillantes colores de fiesta.

Olvidados skas, murguitas que hace tiempo no suenan en vivo y alguna que otra sorpresa podrían ser, tal vez, los ingredientes de dos noches de deleite para aquellos antiguos veleros que supieron llenar la primera vez el Salón Pueyrredón en los noventa. Por eso, la clara consigna se repite: ¡Festejar para sobrevivir!

A continuación, el video de “El Viejo”, del álbum “De bichos y flores”.

Carolina Rosales
Foto: Cristian Seligmann

Miran para acá también

El domingo pasado se llevó a cabo la presentación oficial del tributo argentino a DREAM THEATER en Súper Rock. HEXATONICA, ACID RAIN, KYRIE ELEISON, RIO NEGRO y PRESTO VIVACE, estuvieron en representación de las 18 agrupaciones que forman parte del proyecto.


Black medusa y Prisa distribuidora unieron fuerzas para lanzar en abril de este año un excelente tributo argentino a la banda más importante de metal progresivo, DREAM THEATER, al cual decidieron llamar ”SinCity the dreams go on”. Es un disco doble, que cuenta con la intervención de 18 agrupaciones, como LORD DIVINE, MAGIKA, DANIEL TELIS PROJECT, entre otras. Este domingo solo cinco bandas defendían el disco y EL ACOPLE estuvo allí para ver cómo se sucedían los hechos.

1) HEXATONICA (18:35 a 19:05)


Esta banda platense, que ya cuenta con seis años de historia, fue la encargada de endulzar nuestros oídos con su excelente rock sinfónico/progresivo instrumental. Sonaron de acuerdo a su prestigio, aunque por momentos el audio saturaba un poquito. Interpretaron cuatro melodías, tres propias y la versión de ”Hell’s kitchen”, de ”Falling into the infinity”. El público los escuchó con atención y con un cierto grado de admiración.

2) ACID RAIN (19:20 a 19:50)

Sufrieron problemas de sonido similares a los de HEXATONICA, siendo mayores al contar con un cantante. SEBASTIAN FERNANDEZ fue quién tuvo que sortear con estos inconvenientes, y gracias a sus años de experiencia en bandas como SELIDOR y ATAVICA, se sobrepuso con profesionalidad. Pese a todo, el resto también cumplió con creces. Black Medusa editara en poco tiempo más su disco debut, ”The descending line”. De allí pasaron tres canciones, junto con el cover de ”Fatal tragedy”, del maravilloso ”Scenes from a memory”.

3) KYRIE ELEYSON (20:20 a 20:50)

Con su pretenciosa pero exacta definición de power metal orquestal, fueron sin duda la propuesta más agresiva de la noche. En composiciones como ”River of tears” y ”Facing the rage”, se pudo apreciar esta furia. Vale decir que los cambios de ritmo y los climas suaves también son parte de su música, que tan bien quedó plasmada en su primer álbum ”...In the arms of decadence”.

Les tocó interpretar nada menos, que el clásico máximo de los norteamericanos, ”Pull me under”, del CD ”Images and words”. Si no hubiera sido por las dificultadas técnicas, su actuación hubiera sido perfecta.

4) RIO NEGRO (21:05 a 21:50)

De movida, con una actitud y un sonido exacto, se diferenciaron rápidamente de los grupos anteriores. Desde la polenta en el cover de ”As i am”, de ”Train of thought”, hasta las sutilezas que se percibieron en ”Mi condición vulnerable”, los ubicaron en un escalón superior. Todos sus músicos son técnicamente grandiosos; sin embargo, su cantante femenina NATALIA VERCESI y su bajista MATEO PARISI, tienen un plus sobre los otro dos. A su música progresiva le agregaron un toque sentimental, que es difícil de encontrar en este tipo de bandas. La voz de NATALIA tiene que ver mucho con ello.

5) PRESTO VIVACE (22:05 a 22:50)

Eran la banda de mayor trayectoria y renombre, por eso aparecían en algunos lugares como la agrupación principal, aunque su cantante dejó bien en claro: ”Acá no hay bandas soportes como se dijo, todas tiramos para el mismo lado”. Estuvieron al nivel de su larga historia, y en canciones propias como ”Solo por hoy”, notamos su aptitud interpretativa. No solo tocaron el cover que está en el tributo, ”Under a glass moon”, sino que también se despacharon con una gran versión ”I walk beside you”. Por primera vez en la noche, la gente bailó y disfrutó de buena manera.

El público argentino no ve con buenos ojos a los tributos y se pierden la posibilidad de escuchar a bandas locales muy buenas y de calidad internacional. ¿Cómo puede ser que DREAM THEATER llenó dos Luna Park en marzo, y en este festival tributando a esta misma banda, hayan estado solo 200 personas? Saquen sus propias conclusiones.

Daniel Grosso
Foto: Fernando Fernández

La llama sigue encendida

Fallecido a sus jóvenes 27 años, JIMI HENDRIX apenas dejó una trilogía de discos. Sin embargo, las ediciones post-mortem se multiplicaron: "First rays of the new rising sun" recopiló material de estudio, mientras los discos reflejando sus grandes presentaciones en vivo abundaron. Ahora, hay novedades: ¿nuevo disco de HENDRIX?

Fallecido a sus jóvenes 27 años, JIMI HENDRIX apenas dejó una trilogía de discos. Sin embargo, las ediciones post-mortem se multiplicaron: "First rays of the new rising sun" recopiló material de estudio, mientras los discos reflejando sus grandes presentaciones en vivo abundaron.

Recientemente, salió a las bateas (en CD y DVD) el concierto en Monterrey donde JIMI terminó su perfomance tocando "Wild thing" y prendiendo fuego su Stratocaster.

Ahora, llegaron buenas nuevas y de la mano de STEPHEN STILLS (integrante de la clásica banda CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG), ya que tendría en sus manos grabaciones junto al virtuoso guitarrista.

Ambos se conocieron en el Festival de Monterrey y, hasta el fallecimiento de HENDRIX, en septiembre de 1970, compartieron algunos escenarios; en Nueva Jersey, New Hampshire o Londres, donde hicieron dos presentaciones en el mítico club Ronnie Scott’s.

Según declaraciones de su amigo GRAHAM NASH, STILLS estaría escuchando el material: "Él tiene un enorme historial de grabaciones. En los ’70 grababa todo. Así encontró el disco que hizo con JIMI HENDRIX. Voy a escuchar cada canción que haya grabado, no vaya a ser que tenga algo con AL JONSON", bromeó quien también lo está ayudando en el trabajo.

El propio STILLS, por su parte, anunció: "Hemos tenido que aclarar todo el embrollo legal, pero algunas cintas existen y se podrán publicar ahora". Además, el “disco” cuenta con el plus de la participación de ERIC CLAPTON.

Guillermo Civale

El exilio de las especies

“Wall-E” es la nueva película de Pixar, ambientada en un futuro caótico, donde la vida está en otra parte, lejos de nuestro planeta.

Antes de arrancar, los largometrajes de Pixar cuentan con una yapa, un corto que no alcanza a los cinco minutos de duración. Esta vez, el complemento es “Presto”, una delirante historia de un mago, su conejo y su sorprendente juego mágico de galera y bonete. Si nos echaran de la sala al término de este brevísimo cuento, nos iríamos más que satisfechos y risueños, pero no, el plato fuerte será más que sustancioso.

Los primeros minutos del “Wall-E” son algo desconcertantes. Se puede contemplar una metrópolis (¿New York quizás?) devastada, hecha un basural, abandonada, en donde los únicos habitantes son un viejo robot recolector de desechos llamado WALL-E y una cucaracha. Ambos mantienen una relación de amistad y de fidelidad, similar a la de una persona con su mascota.

De buenas a primeras, una nave baja al planeta y deja una sonda llamada EVE, que pertenece a AXIOMA, un crucero diseñado por "Buy ´n Large" –empresa dueña de todo tipo de recursos, incluso de los territorios terrenales y espaciales, los gobiernos, la producción de alimentos-, en donde los seres humanos se refugian de lo inhabitable que se volvió la Tierra.

La misión de estas sondas enviadas, puntualmente EVE, es encontrar un mínimo de vegetación en el planeta, señal de que el mundo puede ser poblado nuevamente, reinsertando la preservada especie humana en AXIOMA. Pero los rasgos presuntamente femeninos de EVE llaman la atención de WALL-E, que abandona su tarea de sanitaria para ayudarla a cumplir su objetivo.

Contrariamente a las anteriores películas de esta productora, los personajes no están completamente humanizados –más allá de que WALL-E atesora objetos que setecientos años atrás pertenecían a los seres humanos y se emociona con “Hello, Dolly!”, film protagonizado por BARBRA STREISAND-. Es decir, no hay diálogos y las escenas son largas, lo que puede considerarse como una anti-película-infantil-de-Disney.

Esto no hace más que darle otra vuelta de tuerca a las películas de Pixar, las cuales tienen esa mirada tan particular sobre ciertos valores cotidianos. Lo bueno es que se mantengan en la línea de no subestimar a los niños, tocando temáticas interesantísimas que los dejarán pensando un buen rato, además de haberlos divertido en esta hora y media que acaba de pasar. Y si no vean cómo aplauden al llegar los créditos.

Ficha técnica
Wall-E (Estados Unidos, 2008)
Dirección y guión: Andrew Stanton
Música: Thomas Newman y Peter Gabriel (a cargo de la canción principal)
Productora: Pixar
Distribución: Walt Disney Pictures
Duración: 98 minutos

Si todavía no llegás a juntar los ¡veinte pesos! que cuesta ir al cine hoy en día, podés ir viendo el trailer de “Wall-E” y deleitarte con un poquito de la delicada y bien lograda estética 3D que propone hace casi quince años la gente de Pixar.

Ezequiel Ruiz